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提起青少年學習戲劇，常被人想起的都總會是學校的禮堂，生硬的台詞和教課書式的舞台肢體表達。但是，一個真正深入接觸過青年劇場的人會告訴你，完全不是這樣一回事。令青年劇場獨特的，從來不只是教授演技的技巧，而是給青少年一個見不常見到的東西──一個可以真實面對自己人的空間。 「表演課，其實就是情緒課」 戲劇裏是不可能沒有矛盾和拗撬的，這是時常發生的事情。但是青年劇場最厲害的是，它根本不用刻意去進行這件事。一群十幾歲且處於青春期的孩子聚在一起，摩擦當然會出現在，這個看不過眼那個、那個覺得這個人太叛逆、還有人在意自己在 Instagram上的粉絲量等等。這些看起來與練戲毫不相干的事情，其實都是戲劇靈感中的好素材，因為戲劇不是炫技，而是把最真實的情感表達出來。 青年劇場所做的，某種程度上就是幫著這班青少年，找到一個情緒的出口。當一個孩子透過角色講出內心的話，他也慢慢練出一種能力，去看懂別人沒有說出的部分，而這個能力比任何技巧都更好帶得走，成為自己的一部份。 「既是演員，也是題材」 不少青年劇場演出的劇本不是現成的劇本，而是把學員各自的一段生命中的難忘經歷或一段深

「戲劇」，當人們聽到戲劇時，聯想到的通常是學習如何演戲，學習人們的各種情緒，如喜怒哀樂，同時透過肢體演繹來詮釋劇本，最後把它傳遞給觀眾。這當然是戲劇的一部分，但是，卻不是它的全部。 通俗來說，學習戲劇包含幾個方面，包括技巧、理論、感受、表達和合作，而這些能力都是缺一不可的。技巧是戲劇的基礎，演員需要學習如何正確使用聲線與肢體；除此之外，劇本寫作能力、舞台設計與製作，也是在戲劇表演中至關重要的一環。而理論則是戲劇的框架，無論是戲劇的歷史，還是實際應用中的問題，都可以在理論當中找到解答。感受，是表演者重要的一課，一切表達都需要從感受開始，表演者需要探索自身以及他人的複雜情感，從而啟發出更多元的演繹方式。戲劇多數是團隊協作，因此演員之間的合作是必不可少的。演員之間越有默契，表演便會越順暢，也越自然。 系統式地學習戲劇不僅是學習如何站上舞台表演，更是讓人們知道舞台上的表演不是憑空出現的。例如古希臘悲劇、莎士比亞、康斯坦丁．史坦尼斯拉夫斯基，他們的出現給戲劇帶來重大的影響，不僅奠定了戲劇敘事、人物塑造和表演方法的基礎，也推動了戲劇從宗教儀式、文學創作走向更

延伸閱讀 ｜劇場觀眾必修的「禮儀課程」🎭 在劇場裡，觀眾的風度與舞台的光影同樣重要。各位觀眾，請收好這份文明觀禮小貼士 ，一起讓演出更加精彩和難忘！✨ #看戲不出戲 #禮儀守護者

Cosplay（Costume Play的縮寫）指藉由服裝、道具、化妝及肢體語言，扮演動漫、遊戲、電影、小說等虛構作品中的角色。其核心在於對角色的致敬與再現，是一種融合表演藝術、手工藝與粉絲文化的次文化現象。 在1930s，cosplay在美國科幻迷聚會出現雛形；1970s日本漫畫家高橋信之將概念引入Comiket，並且命名「Cosplay」；1990s，cosplay隨日本動漫全球化傳入亞洲各國（台、港、中、韓）；2000s中國大陸同人展、漫展興起，Cosplay進入主流視野；自2010年起，短視頻流媒體平台興起，cosplay也借助平台和科技重塑創作與傳播方式。 Cosplay這項活動從前期到正式進行由以下幾個方面構成：服裝製作、化妝與假髮、道具、表演與呈現、攝影以及後期。服裝和道具可以通過網絡平台購買，部分無廠家製作的服裝和道具則需要自行製作，也可以選擇裁縫和道具師定制。網購平台能夠買到角色假發的毛坯，但是距離還原角色本身還有一定距離，因此假髮需要在買回來的毛坯基礎上加工，根據角色人設圖盡可能還原髮型。這一步驟可以自行動手也可以選擇交給假發

黑盒劇場，也稱為「黑箱劇場」，是一種非傳統的劇場空間，它沒有固定舞臺的演出形式，黑盒一般是一個被黑牆包圍的空間。這種環境能夠讓觀眾更直觀地參與表演，打破了傳統戲劇的界限，拉近觀眾和表演者之間的距離。黑盒子劇場不只是戲劇表演的場所，也是一種創新的藝術呈現方式，對藝術的發展發揮著重要的作用。 黑盒劇場的特點 1. 靈活性和多樣性 黑盒劇場的最大特點在於它的靈活性和多樣性。首先，黑盒劇場的空間設計十分靈活，沒有固定的舞台和觀眾席，演出場地可以根據不同的表演需求做出改變。這種多功能性使它能夠進行各種表演，包括舞蹈、音樂劇、戲劇，都可以將這些表演放置在黑盒中進行。 2. 拉近與觀眾的距離 黑盒劇場通常提供了一個更加親密的觀演體驗。觀眾與演員之間的距離更近，演員的每一個細微表情和動作都能讓觀眾清晰可見，給觀眾帶來更加強烈的情感衝擊，這樣的氛圍讓觀眾能夠更加投入到故事情境中，心靈上的共鳴感大大增加。 3. 強調其他顏色 黑盒劇場是一種幾乎全黑的劇場空間。黑色的特性在於它能夠強調其他顏色，從而讓觀眾更專註於表演本身。黑盒劇場的核心精神並不在於華麗的布景或精良的設

每當我們欣賞一部精彩的電影，片尾字幕如瀑布般快速流動，背後承載的是一個數十甚至上百人的團隊心血。電影工業除了幕前的明星光芒，更依賴一套嚴謹且專業的幕後製作體系。以下將帶你按照電影製作流程（從前期到後期） 深入了解電影劇組的主要崗位與他們的工作內容。 第一部分：前期製作（Pre-Production） 【決策與創意部門】 出品人（Presented by）： 電影的「出錢老闆」，負責籌錢、定預算、決定開不開拍。不常到現場，但掌握最終商業方向，主導收益分配。合拍片常見多位「聯合出品人」，代表不同投資方。名字是電影能開拍的第一關。 監製（Executive Producer）： 電影項目的「總掌舵人」，權力與責任通常高於導演。從劇本、資金、拍攝到發行，全程統籌監督，確保進度與品質。常分創作型（管內容）和行政型（管錢），徐克、陳可辛等大導演也常擔任。名字出現在海報上，是品質保證。 製片人（Produced by / Producer）： 電影製作的「營運管家」，從零開始孵化項目。找劇本、買版權、組團隊、控預算、盯進度，處理現場所有突發問題。確保電影在期限

「未竟學院」(Accademia dell’Incompiuto - Academy of the Unfulfilled) 是一個將藝術和文化活動服務於公民社會的團體。學院於2022年1月在意大利成立，由在戲劇領域以及通過藝術與正式和非正式團體合作方麵擁有豐富經驗的實踐者組成，並與意大利及其他國家的新一代藝術家合作。透過戲劇創作、教學活動以及跨文化與跨學科的藝術計劃，學院推動一種創新的公民概唸，強調藝術合作的重要性。 他們提出了一種新的「公共」理唸，將其理解為一種共享的空間與時間責任，並透過藝術實踐來建立社群，促進專業及非專業人士的創作交流。且與專業人士和非專業人士共同構建以藝術實踐爲中心的“過渡性社群”。 因此，學院在其內部運作以及與第三方的合作中，不斷探索新的合作形式，包括髮展非暴力和非歧視性的合作與溝通方式。 「未竟學院」的創辦人之一 Mario Biagini曾是「耶日‧葛羅托斯基及湯姆斯‧理察斯工作中心」（Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards）的核心成員逾30年，涵蓋從「藝

法朵（葡萄牙語：Fado，又名法多）意為命運或宿命，或稱葡萄牙怨曲。是一種聞名於全世界的葡萄牙音樂風格，它因演唱出葡萄牙的靈魂而聞名於世。也是被聯合國教科文組織認可的葡萄牙首個人類非物質文化遺產。法朵是一種音樂類型，最早出現在 19 世紀葡萄牙，但起源可能更早。流行於其港口區域，歌詞述說的多半為航海生活、港口區域勞工的艱辛、思念出海捕魚的丈夫、窮愁潦倒人們的悲哀等，也因此曲調通常較為悲淒。然而，事實上，法朵僅單單是一種歌曲形式，其可以與任何事物有關，但必須遵守一定的結構。法朵呈現了一種葡萄牙多樣文化的綜合體，包含了非裔巴西歌舞、本地歌舞、歷史上多次內部遷徙帶來民俗歌謠以及19世紀早期都會歌曲型式等等。 法朵通常單獨演出，男女都有，傳統上由吉他或梨形的12弦葡萄牙吉他伴奏，但現在已演變為2支葡萄牙吉他加上1支吉他及1支低音吉他的組合。有時候也會用到一把8弦貝斯，也就是這些樂器演奏出了美妙的法多音樂。雖然在以旅遊業為主的餐廳，法多的演唱往往局限於一人獨唱，不過在非商業性質的法多集會上，能有多達十二名與會者自發參與到演唱中。在非商業性質的法多餐廳，一種

音樂劇（Musical），是一種高度綜合的舞臺表演形式，集音樂、歌曲、舞蹈、戲劇文本、對白於一體，並常融入雜耍、特技等元素。它通過展現多樣情感（如幽默、諷刺、感傷、愛情、憤怒）來推進故事，並綜合運用演員的語言表達、歌唱、舞蹈動作及其他表演技巧來呈現給觀眾。區別於歌劇、舞劇或話劇，音樂劇的核心特點在於它均衡地重視歌曲、對白、表演和舞蹈等所有組成部分。 音樂劇在全球範圍內流行，但演出最頻繁、影響力最大的中心是紐約百老匯和倫敦西區。因此，「百老匯音樂劇」既可指在百老匯上演的具體劇目，也常被用來指代具有相似風格的音樂劇作品。通常，人們所說的「音樂劇」主要指西方（尤其是英美）的音樂劇傳統。 盡管近代的音樂劇被視為歌劇的現代版本，但音樂劇和歌劇是兩種不同的舞臺表演藝術形式，它們在音樂風格、唱腔、舞蹈、舞美、劇情等方面都有明顯的區別。 著名音樂劇：貓（Cats）、芝加哥（Chicago!）、油脂（Grease）、獅子王（The Lion King）、悲慘世界（Les Misérables）、西貢小姐（Miss Saigon） 歌劇（opera）音樂以古典音樂為

古典吉他(Classical Guitar)原名古典六弦琴，因其形製定型於古典主義時期而得名。古典吉他又名西班牙吉他、西班牙古典吉他。古典吉他被公認與鋼琴、小提琴並列為世界三大樂器，主要應用於獨奏與重奏，運用指彈技法結合各種特殊演奏技巧，憑借細膩且多變的音色、豐富的和聲效果、多聲部的演奏能力，對不同時期、不同風格以及不同民族的音樂作品皆能詮釋自如。古典吉他從演奏姿勢到手指觸弦均有嚴格規範，技巧精深，是吉他家族中藝術性最高、最具代表性、適應面最廣、藝術深度最受認可的一類。需註意，古典吉他此名稱並非限定其僅演奏古典音樂，包括古典音樂、弗拉明戈、爵士音樂等在內的不同音樂風格，皆可以古典吉他進行演奏。 古典吉他的學習過程嚴謹而專業，對持琴時的坐姿、琴體位置乃至雙手姿勢均有嚴格要求。古典吉他演奏通常采用坐式持琴法。為使演奏者保持最舒適的狀態，椅子的高度一般設定為45-46公分。具體姿勢為：左腳向前略微伸出，置於高度約18-20公分的擱腳凳上，左右兩腿稍微分開，右腿稍往回收，吉他的凹陷處橫置於左大腿部。琴體需靠近身前，面板只需稍向上傾斜。上身略向前傾，左肩稍

總體劇場（德文：Gesamtkunstwerk，英文：Total Theatre）是德國作曲家、劇作家 理查·華格納（Wilhelm Richard Wagner）於1850年提出的概念。它顛覆了傳統劇場以劇本為中心的模式，主張劇場不應僅為劇作家服務，而應成為融合音樂、文學、燈光、空間等多元元素的綜合藝術。這一理念深刻影響了西方現代劇場，極大地拓展了劇場的邊界與可能性。 Wilhelm Richard Wagner (1813-1883) 在劇場變革上，十九世紀中葉以後，隨著易卜生、契訶夫等寫實主義先驅劇作家的興起，表演方法、劇場形式與舞台運用等層面，也隨之出現了嶄新的觀念與實踐。當時，德國社會普遍認為德語不夠雅緻，宮廷內外盛行義大利與法國的歌劇，過於偏重音樂技巧的華麗表現而輕忽戲劇內容的深度。為此，華格納提出「樂劇」的口號，主張歌劇創作應以音樂與戲劇並重為目標。他建議作曲家親自參與劇本創作，並認為歌劇題材應具有音樂表現的特質。因此，華格納成為歌劇史上首位同時身兼編劇與作曲家的創作者，並為自己的歌劇撰寫了詳盡的舞台指示與演出規範。華格納在184

這位站在音樂舞台揮舞木棒的藝術家，以其獨特的視角和無盡的激情，引領樂團奏出動人的旋律。作為樂團或管弦樂團的領導者和協調者，指揮的工作涉及諸多方面，從音樂解讀、節奏把控到表情動作控制等，都需要指揮精湛的技藝。他的工作不僅是技術性的，更是藝術性的，涉及對音樂的深刻理解與情感表達。 指揮的核心職責 指揮家通過精確的手勢和深邃的音樂理解，將樂譜中的靜態音符轉化為生動的音樂對話，帶領樂團成員進入作曲家的音樂世界。指揮的工作包括排練和演出、藝術指導、音樂選擇、曲目編排以及與觀眾的情感交流，他們協調演奏，統一樂團的演出，確保音樂的和諧與同步；通過對樂曲節奏、速度和音色的演繹，賦予作品豐富的情感和風格。同時，指揮作為節奏核心，引導樂團的快慢、強弱與停頓，維持整體節奏感。指揮家深刻的風格理解確保樂團的演奏符合作品特點，增強音樂的說服力，並通過團隊協作促進樂手之間的默契。 指揮的工作主要分為以下幾個方面： 1. 讀譜 在這個階段，指揮需要深入理解樂譜，包括： 聲部細節：清楚各樂器的演奏方式和角色。 音色與平衡：掌握聲部之間的平衡與色彩混合，確保音樂的整體和諧。.

除了台前的演員、樂手、舞者，幕後亦有各種崗位在表演藝術領域中扮演著不同的角色和責任，協同合作，共同創造精彩的舞台作品。 導演： 負責指導和統籌整個表演藝術作品的創作和呈現。他們負責選擇劇本、尋找合適的演員、指導演員的表演、指導舞蹈和動作、協調舞台和技術設計，以及創造整體的藝術視覺和風格。 編劇： 負責創作和撰寫劇本或劇情大綱。他們負責構思故事情節、發展角色和對話，以及確保故事內容的結構和流暢性。 編舞： 負責創作和設計舞蹈動作和舞蹈節目。他們通常與舞者合作，創作出具有獨特風格和節奏的舞蹈作品。 形體設計： 負責設計和創造舞者和演員的身體形象和動作風格。他們可能參與排練過程，指導舞者的姿勢、身體語言和動作技巧。 監製： 監製負責監督整個表演藝術作品的製作過程，與導演緊密合作，包括物色演員及設計師、籌劃、宣傳、預算管理、藝術指導和行政管理。 舞台及佈景設計： 負責設計和創造舞台和佈景的視覺效果。考慮劇情、時代和場景需求，創作出舞台佈置、背景和道具。 燈光設計： 負責設計和控制舞台上的燈光效果，以營造氛圍、創造空間、突出重點和創造視覺及情感效果。 服裝

​認識表演藝術 表演藝術是一種以表演為核心的藝術形式，表演者通過動作、語言、聲音和表情等表演形式，來呈現角色、傳達故事、情感和意義。 它包括戲劇、舞蹈、音樂劇、音樂會、歌劇、雜技等，並可能出現在劇院、舞台、電影、電視、音樂會廳或其他表演場所。 ​...

土生土語劇是澳門獨有的藝術形式，它以土生葡人社群的土生土語為主要表演語言，融合了戲劇、音樂和舞蹈等多種藝術元素，展現了澳門獨特的歷史文化和多元文化交融的特色。 圖片來源：澳門文化局 起源與發展： 土生土語的形成與澳門的歷史密切相關。 16世紀，葡萄牙人抵達澳門，與當地居民通婚，形成了獨特的土生葡社區。他們的語言以葡萄牙語為基礎，夾雜著馬來語、粵語、英語等多種語言元素，逐漸發展成今日的土生土語。土生土語劇的歷史可追溯至1925年，當時已有相關劇本被刊登。 1990年代，土生土語劇在中斷多年後被重新復興，並成立了澳門土生土語劇團，每年推出新作品，逐漸成為澳門藝術節的保留節目。 特點： 土生土語劇具有鮮明的藝術特色。它以喜劇為主要形式，透過演員的幽默對白、搞怪動作和誇張表演，針砭時弊，反映社會現實。其主題多取自澳門的日常生活，如家庭瑣事、鄰裡關係、社會熱點等，充滿生活氣息與地理特色。此外，土生土語劇也融入了輕歌劇的元素，表演中常穿插歌曲和舞蹈，增強了藝術感染力。 傳承與保護： 土生土語是瀕危語言，聯合國教科文組織已將其列入「瀕危語言」名錄。為了保護和傳

單口喜劇（英語：Stand-up comedy），又稱為站立喜劇、單人喜劇、獨角喜劇、脫口秀等，粵語稱為棟篤笑，是一種表演藝術形式，通常是由一位喜劇演員站在舞台上以獨角戲方式對台下觀眾表演笑話和獨白諷刺（有時也會搞肢體表演，甚至與台下觀眾直接互動）使觀眾因為其言辭幽默而發笑。它以幽默詼諧的語言和生動誇張的肢體動作來講述故事、表達觀點，從而引發觀眾的笑聲和共鳴。表演者通常獨自站在舞台上，面對觀眾，以一種看似隨意卻精心編排的方式，將日常生活中常見的事物、社會現象、人際關係等話題進行加工和演繹，用獨特的視角和風趣的語言展現出來。 單口喜劇的起源可以追溯到很久以前，它在不同文化中都有類似的表演形式。在西方，單口喜劇有著悠久的歷史，像美國的「stand-up comedy」就是其中的典型代表。而在東方，中國的傳統曲藝形式如相聲、評書等，也有著與單口喜劇相似的元素，它們都以語言為核心，透過表演者的口才和表演技巧來吸引觀眾。歐美風格的單口喜劇是於1990年左右從西方引入香港社會。現在香港和兩岸三地、世界各地的華人社會都熟悉「單口喜劇」這種表演形式和文化。不少電

在當代文化中，「Drag queen」已成為一種獨特且重要的表演藝術形式。這種藝術形式不僅僅局限於表演本身，它還承載著豐富的社會意義和文化價值。Drag queen的表演者通常是男性，但他們通過穿著女性服裝、化妝和表演，以誇張的方式挑戰傳統的性別角色與社會規範。這種藝術形式不僅展示了創意和個人表達，還對社會的多樣性和包容性做出了積極貢獻。 自我表達與身份認同 Drag queen文化的核心在於自我表達。許多表演者通過這種形式探索和表達自己的性別認同和個人風格。Drag queen的表演並不僅僅是模仿女性，而是一種對女性特質的誇張和慶祝。這種誇張的表演不僅吸引了觀眾的注意，也挑戰了對性別的傳統理解。許多Drag queen用自己的故事和經歷來表達對身份的認同，這使得他們的表演更加真實和感人。 自我表達的過程中，Drag queen也鼓勵觀眾反思自己的性別觀念。觀眾在觀看這些表演時，常常會被挑戰去思考自己的性別角色和社會期望。這種互動不僅豐富了表演的層次，也促進了對性別和身份的開放討論。 社區支持與包容性 Drag queen文化與LGBTQ+社群密

巴洛克歌劇是歐洲音樂史上一個極具影響力的時期，跨越了17世紀晚期至18世紀早期。這段時期的歌劇作品展現了豐富的和聲、精湛的旋律、戲劇性的表現以及華麗的舞臺設計。 興起與發展 巴洛克歌劇源自意大利，最早的歌劇作品被認為是雅各布·佩里的《達菲涅》（Dafne）和克拉維奧·蒙特威爾第的《奧菲歐》（L'Orfeo），它們在音樂史上被視為歌劇誕生的標誌性作品。隨著歌劇形式的不斷發展，巴洛克時期出現了眾多優秀的作曲家，如克勞迪奧·蒙特威爾第（Claudio Monteverdi）、喬治·弗里德里希·亨德爾（George Frideric Handel）等，他們的作品豐富多彩，風格迥異，為巴洛克歌劇的繁榮發展貢獻良多。 特點和表現形式 巴洛克歌劇以其豐富多變的和聲和對位法聞名，對位法（Counterpoint）是一種音樂構作技巧，旨在同時展現出兩個或多個獨立的旋律線，這些旋律線在音高、節奏和旋律方面相互獨立但又相互關聯。這種技巧不僅要求每個旋律線具有自己的獨特性，還要求它們在一起形成和諧的整體。對位法的運用能夠為音樂作品帶來豐富的和聲效果和層次感，增強

吸點「延伸閱讀」：古典音樂的四大時期 古典音樂的四大時期是音樂歷史的重要劃分，反映了音樂風格、技術和文化的演變。每個時期都有其獨特的特徵和代表作曲家，對後世的音樂創作產生了深遠的影響。 巴洛克時期 (1600-1750) 特點：複雜的對位法、強烈的情感表達和華麗的裝飾。代表作曲家包括巴赫、亨德爾和維瓦爾第。 l 風格：音樂風格複雜，常用對位法（即多個旋律同時進行），情感表現強烈且戲劇化。 l 形式：發展了奏鳴曲、協奏曲和歌劇等音樂形式。 l 樂器：弦樂器和鍵盤樂器（如大鍵琴和管風琴）占主導地位。 代表作曲家： l 約翰·塞巴斯蒂安·巴赫 (J.S. Bach)：以其豐富的和聲與複雜的對位法聞名，重要作品包括《平均律鋼琴曲集》及《馬太受難曲》。 l 喬治·弗里德里希·亨德爾 (Handel)：以歌劇和清唱劇著稱，代表作有《彌賽亞》。 l 安東尼奧·維瓦第 (Vivaldi)：以《四季》著稱，展現了音樂與自然的聯繫。 古典時期 (1750-1820) 特點：結構清晰、形式穩定，強調均衡與和諧。代表作曲家包括海頓、莫札特和貝多芬。