展覽報導｜澳門劇場設計展 2026

5小时前
讀畢需時 6 分鐘

受訪者：一眾展覽設計師

訪問：吸點藝術

吸點：可以向大家介紹一下你的作品？

陳家彥 Kaby Chan（作品《凝固的衣紋：跨越時空的戲劇對話》）：

服裝是角色最直接的視覺語言，亦是時代的靈魂織體。本展以三齣經典劇作為鏡，呈現布料、色彩與造型的對話：

1. 《安蒂岡妮》（展出服裝：安蒂岡妮 Antigone）：懸垂褶皺與面具相織，以雕像線條凝固對抗命運的神聖意志。

2. 《一僕二主》（展出服裝：亞力基諾 Arlecchino）：斑斕幾何拼貼與皮革半面具，將雜耍節奏化為獨特的視覺基因。

3. 《第十二夜》（展出服裝：安德魯爵士 Sir Andrew Aguecheek）：交融古典語彙與現代裁縫，以隨性領巾勾勒貴族的荒謬與浪漫。

三套服裝同台交會，將文本化作造型詩篇，引領觀者近距離凝視布料背後的角色生命質地，感受戲劇深邃的敘事力量。

黎家維 ryuki：

這次展出選自三齣風格迥異的戲劇作品——黑色幽默喜劇《荔枝・英雄傳》、新文本《流瑩》與寫實正劇《心洞》，呈現其音效與聲景構建的思索過程。三部作品各自擁有獨特的世界觀、文本脈絡與表演形式。聽眾可透過現場的耳機及CD機自由挑選音軌，並翻閱標註了音響配置與聲場佈局的劇本，從不一樣的敘事角度，感受聲音是如何在劇場中被堆疊與塑造。

黎亮灝 Goody Lai（作品《從布料出發：劇場視覺的解構實驗》）：

本系列作品展現了極具生命力的奇幻美學風格。設計師不拘泥於單一範疇，橫跨嬰兒五感劇場、共融藝術戶外展演、大巡遊慶典至前衛酷兒影像，展現出駕馭多元主題的設計能力。

創作核心源於對布料特性與車縫工藝的深刻掌控，透過大膽的服裝解構，將立體軟雕塑、異材質拼接與光的折射極致發揮。無論是森林肌理的觸覺探索、反光質感的自製光影，或是性別符號的抽象重構，設計師始終以「服裝先行」的視覺思維，不斷突破舞台與身體的邊界，持續探索視覺語彙下的所有可能性。

杜國康：

《海王星》是由張健怡導演,夢劇社製作的作品。首演於2021年並於三十三屆澳門國際藝術節重演。是此展區抽取了舞台上的元素,於假草皮上建立一個幻想的家,而名為「海王星」的劇場作品一次又一次在電視中重播。展覽期間的12:00和16:00會完整放映,如果錯過了劇場演出或想重溫當時的想像,歡迎到時來重溫(每次兩位)。

譚樂棉：

鎢絲燈的色溫約為3200K，日光常以5600K作為參考，而部分電腦燈可延伸至10000K。色溫以K值描述光線由暖至冷的變化，是可量化的物理尺度；色階則著重視覺上的層次與過渡，不只包含冷暖，也涉及亮度、濃淡與透明感。作品以色階作為空間核心，讓光從深暖逐步走向柔亮，由濃郁轉為清透。觀者置身其中，隨著光色推移感受空間情緒的變化，並從自身的視覺與感知出發，重新察覺光、空間與人的關係。

孫盧利時 Nicco Sun：

作品為2026澳門劇場設計展之舞台化妝設計，以「台前幕後」作為核心敘事，透過黑幕分割的雙展區沉浸式空間，完整呈現舞台化妝由後台創作到舞台作品落地的過程。

後台化妝區還原劇場真實的帶燈化妝鏡台，重現舞台化妝師的工作場景，同時掛設角色設計草稿、創意妝與舞台劇照，體現創作前期的構思。特技化妝作品區以簡約方柱透明展盒，陳列特技化妝實體模型，讓觀眾近距離觀察妝效的材質與工藝，輔以劇照展示，解讀特技妝幕後製作細節。整個展覽將創作過程與成果並置，帶觀眾感受舞台化妝藝術的獨特魅力。

丁加敏：

這一切源於12歲那年的暑假，無所事事的我在小房間內打開了朋友借給我的《梁祝下世傳奇》舞台劇DVD。從此女主角何韻詩成為了我的偶像，舞台劇成為了我的愛好。二十年過去，當初的小房間仍在，而且成為了我的舞台設計工作間，我想世上應該沒有任何一個地方比這裏更有安全感吧。嗯…這就是我的參展作品，歡迎來到我的出發點。

鄧中邦（作品《泛音_Demo_Tryout.mp3(1).wav》)：

通過鐵柱上的拾⾳器，收錄繩索被觸碰、被拉扯時的聲音。經過電腦的處理後傳至裝置兩側的喇叭實時播放。觀眾可以通過觸碰裝置內外的繩索，觸發⾳響系統發出聲⾳，形成像樂器一樣的一個與觀眾即時互動音響裝置。

作品結合塩田千春「以線呈現連結」、Tomas Saraceno「共振」、以及劇場的「同時空

性」的三個元素。參考 Tomas Saraceno 的作品《Algo-r(h)i(y)thms》的音響效果，並探討

把裝置的音響系統實際應用到劇場演出中的可能性。

鄭秀儀：

「她／他」只是換了一種方式繼續存在。

演出結束後，「她／他」離開舞台，被收起、拆解、遺忘，卻也在另一個時間裡重新成為創作的材料。

舊戲服、布料、紙樣與工藝樣本散落於1.5×1.5米的空間，如同一座正在生長的花園。曾經穿戴於身上的服裝逐漸失去原本的角色與形狀。花園中央，最初的服裝被重新穿上，旁邊的人台凝視著它，也像是在凝視曾經的自己。

這不是一個完成的展覽，而是一個創作階段的暫停，留下那些曾經發生過的、正在消逝的，以及仍然沒有答案的東西。

林嘉碧：

林嘉碧，專職劇場佈景設計。本次展覽展出近期參與各類劇組、不同表演空間與多元形式演出的佈景實體模型。一場完整的舞台演出，除了演員的精彩演繹，整體的舞台美學整合更是不可或缺的核心環節。舞台美學涵蓋佈景、燈光、聲效、影像、道具、服裝及化妝等多項元素，環環相扣、相輔相成，與表演者的演出相互交融，共同建構出細緻且完整的舞台視覺體驗與現場氛圍。

這段幕後反覆建構、打磨、優化的設計歷程，是多數觀眾無法看見的隱性創作過程。尤其在創作初期，每位設計者對演出的主題、空間運用與畫面構思都有截然不同的想法。因此，我習慣先透過搭建白模型開啟團隊討論，歷經多次推翻重來、反覆溝通、調整細節、優化結構，最終凝聚出整個團隊共通的設計理念，這也是我始終堅持以實體模型開展創作的核心目的。我希望透過本次展覽，公開呈現劇場佈景設計其中重要的最後完整模型，讓大眾深入認識劇場佈景設計的內涵，了解這份專業設計的價值與獨特藝術意義。